De Jésus à Paul. Les débuts du Christianisme

Norma Jeane Mortenson, qui prendra plus tard le nom de Baker, naît à Los Angeles en 1926. Sa mère, Gladys Pearl Monroe, colleuse de pellicules de films à la RKO, n'étant pas sûre de l'identité du père, étant divorcée de son premier mari, John Newton « Jasper » Baker (1921), et récemment du second, Martin Edward Mortenson (1925), rebaptise très vite la toute jeune Norma Jean - nommé en référence à l'actrice Norma Talmadge - sous le nom de Baker. L'enfance de celle-ci fut pour le moins complexe et a marquée sa vie privée jusqu'à sa mort. Sa mère, souffrant de liaisons sentimentales sans lendemain et de troubles mentaux, est régulièrement internée et ne vient la voir que très rarement. Elle navigue donc de onze familles d'accueil dès sa naissance, qui ne sont pas toujours si « accueillantes » qu'elles devraient l'être, à un orphelinat, lorsque sa mère est définitivement internée à partir de septembre 1935, et est peut-être violée alors qu'elle n'avait qu'une dizaine d'années. Mais elle finit par être adoptée en 1937 par sa « tante  » Grace - de son vrai nom Grace McKee Goddard -, une amie de sa mère, où elle découvre un cadre de vie un peu plus stable. Celle-ci deviendra son tuteur légal. La jeune fille se fixe rapidement un seul objectif en tête : devenir une star, et ce quel qu'en soit le prix.

 

Le 19 juin 1942, âgée de seize ans, elle pense échapper à sa condition - en fait éviter de retourner à l'orphelinat -,  en se mariant de façon quelque peu arrangée par sa tante à un ses voisins, un ouvrier de 21 ans, James Dougherty, qu'elle fréquente depuis 6 mois. Leur union durera quatre ans. En 1944, quand son mari, qui travaille dans la marine marchande, est envoyé dans le Pacifique Sud, Norma, comme beaucoup de jeunes épouses de militaires de l'époque, part alors travailler à la Radio Plane Munitions Factory, une société de vérification de parachutes, où son physique attirant lui permet de faire ses premiers pas de modèle dès 1944 en posant pour un photographe de l'armée de l'air, David Conover, dans le cadre d'une campagne de l'armée pour illustrer l'implication des femmes dans l'effort de guerre puis, grâce à ce dernier, elle fait la couverture du magazine Frank en 1945 et devient modèle la même année pour l'Agence Blue Book, où on lui conseille de se colorer en blonde pour « plus de piquant ». Connue sous le sobriquet de « Miss Lance-flammes », elle commence à poser pour des photos publicitaires des magazines US Camera et Pageant puis est dans tous les magazines et fait sa première couverture en avril 1946. Courtisée, elle a une aventure avec le photographe André de Dienes qui prend des clichés restés aujourd'hui célèbres, tant ils irradient de fraîcheur. À 19 ans, Norma voit en cette nouvelle reconnaissance l'occasion inespérée d'accomplir son rêve d'enfant, devenir actrice et suit des cours d'art dramatique. Étant un mannequin photogénique, elle attire bientôt l'attention de Howard Hugues, le patron de la RKO, mais se celui-ci se fait doubler par la 20th Century-Fox. C'est d'ailleurs cette société de production cinématographique qui lui demande d'opter pour le nom d'artiste avec lequel elle connaîtra la célébrité, elle devient Marilyn Monroe (du nom de l'actrice Marilyn Miller et de sa grand-mère maternelle, Monroe). Sans le savoir, elle vient de jeter les bases du mythe. Tout ceci ne plait guère à Jimmy Dougherty, rentré du front depuis peu, qui lui demande de choisir entre son mariage et sa carrière. Le divorce est prononcé le 13 septembre 1946.

 

Elle se retrouve, actrice sans expérience, cantonnée aux films à petit budget par la Fox dans ses deux premiers films qui sont Les années dangereuses (Dangerous Years), en 1947, qui semble annoncer ses tourments futurs, et Bagarre pour une blonde d'E. Hugh Herbert en 1948. Les scènes de ce film auxquelles elle participait furent coupées au montage. La même année, le studio Columbia décide de lui donner une chance grâce à un contrat de six mois, où elle obtient un rôle dans Les Reines du music-hall (Ladies of the chorus, 1948). En plus d'être belle et élégante, Marilyn Monroe est réellement talentueuse. Ses capacités vocales ne passent pas inaperçues devant la critique, mais ce ne sera malheureusement pas assez suffisant à l'apprentie star pour se faire remarquer,  car elle n'obtient alors des  rôles que dans des films qui mettent en valeur ses atouts physiques : avec les Marx Brothers dans La Pêche au trésor (Love Happy, David Miller, 1949), où l'on retiendra son irruption dans le bureau du détective privé Groucho Marx, et, enfin, dans Le Petit Train du Far West (A Ticket ta Tomahawk). Ni la 20th Century-Fox, ni la Columbia, ni la M.G.M. ne se doutent alors de son potentiel. A cette étape, Marilyn Monroe a sérieusement besoin d'argent car ses cachets d'actrice ne sont pas conséquents et renoue quelques temps avec le métier de modèle. Elle pose alors, en tenue d'Ève, dans un calendrier réalisé par le photographe Tom Kelley. Malgré cette incartade, elle restera fidèle à l'objectif de l'appareil photo jusqu'à sa fin prématurée : elle est sans doute la star hollywoodienne qui s'est le plus prêtée aux grands photographes (Milton Green, Bert Stern), pour lesquels elle fut une véritable inspiratrice.

 

Mais la roue tourne. Marilyn se trouve un mentor, vice-président de la William Morris, Johnny Hyde, bientôt son amant, et relance sa carrière, d'autant sa beauté finit par la dégager peu à peu des emplois de « blonde stupide » ou elle paraissait confinée. Dans Quand la ville dort (The Asphalt Jungle, 1950), John Huston lui donne son premier véritable rôle, celui de la jeune protégée du notable Louis Calhern, un avocat marron, dont elle et la nièce et la maîtresse ; déjà sa conception très personnelle du « sex appeal » est en place quand elle entrebâille une porte, mi-sirène, mi-innocente, et installe une véritable tension sexuelle. C'est grâce à ce film que la carrière de Marylin prend son envol car elle y est repérée par Joseph L. Mankiewicz, célèbre réalisateur qui lui propose de donner la réplique à Bette Davis et Anne Baxter dans Ève (All about Eve, 1950) qui confirme son ascension. Dans le rôle de Miss Casswell, jeune actrice sans talent mais au physique notable, elle se moque déjà d'elle-même, ou plutôt de l'image qu'Hollywood veut divulguer d'elle. Après sa prestation remarquée dans ce film, elle obtient un article élogieux dans la revue Photoplay Magazine, intitulé How a star is born? C'est une année prolifique pour sa carrière. Voyant son potentiel grandir, la 20th Century-Fox lui offre un nouveau contrat de sept ans avec lequel elle enchaîne les projets, restant cantonnée dans des rôles de magnifiques blondes qui ne se sert que de son physique pour obtenir ce qu'elle veut, au moment où le décès brutal de l'amant Pygmalion la laisse sans repères.

Mais, après qu'elle a interprété, prêté par la Fox à la RKO, avec sincérité le rôle d'une ouvrière d'usine dans Le démon s'éveille la nuit (Clash by Night, Fritz Lang, 1951), où son nom s'affiche en grand au générique, elle augmente sa cote en tournant dans des films tels que Nid d'amour, de Joseph Newman et Cinq mariages à l'essai d'Edmund Goulding en 1952. Désormais, sa popularité est considérable, au point où le courrier de ses fans est plus abondant que celui d'autres célébrités de sa maison de production.

 

La 20th Century-Fox, où elle est sous contrat, la promeut enfin à son premier rôle de grande envergure. Elle se révèle inattendue mais convaincante en criminelle psychopathe dans Troublez-moi ce soir (Don't Bother to Knock, Roy Ward Baker, 1952), où elle est la partenaire de Cary Grant, mais son interprétation est limitée par la platitude de la mise en scène. De ce fait, les producteurs décident de l'orienter vers des comédies où sa gaieté et sa plastique seront plus appropriées. Le personnage de la femme de petite vertu ou de prostituée devient plus manifeste dans le film à sketches La sarabande des pantins (dans lequel réalise un sketche d'Howard Hawks), et s'en suivra le film dans lequel on la découvre enfin avec sa légendaire chevelure blonde platine - à l'image de l'actrice qu'elle admire Jean Harlow -, Chérie, je me sens rajeunir (Monkey Business, 1952) de Howard Hawks, où elle réussi une création secondaire mais étourdissante de secrétaire inconsciente de ses charmes, qui confirme son vrai talent de comédienne. Marilyn atteint en l'espace de deux ans une renommée incroyable. La « canicule blonde », comme elle est bientôt surnommée, est très sollicitée par les médias, mais les rôles que lui offre la Fox sont toujours les mêmes : une blonde pas très futée. C'est à l'occasion de ce tournage qu'elle commence une liaison avec le célèbre joueur de base-ball des Yankees Joe DiMaggio, qui vient de prendre sa retraite. De plus, comme pour ternir son image grandissante, l'affaire du calendrier où elle a posé nue explose. Pourtant, l'effet obtenu est inverse et Marilyn Monroe est adulée, érigée en véritable sex-symbol. Ces photos seront même publiées, avec son accord, dans le premier magazine Playboy, lancé par Hugues Hefner en 1953, ce qui fait d'elle la première playmate. Son cachet d'actrice augmente donc considérablement, mais pas assez pour égaler celui des autres stars de la Fox.

 

La reconnaissance publique et la naissance du mythe Monroe sont à mettre au crédit du film Niagara (Henry Hathaway, 1953), dans lequel elle tient pour la première fois de sa carrière le rôle principal, celui de la femme adultère de Joseph Cotten et toujours criminelle d'une beauté maléfique, qui projette de faire tuer son mari par son amant, le modèle même de la femme fatale à laquelle l'homme marié ne peut résister. L'exhibition de ce modèle n'est pas sans relation avec la croissance du taux de divorce aux États-Unis dans les années cinquante. Ce dernier film est certainement l'un des premiers où transparaissent les signes de la future icône cinématographique en mettant sa plastique : les draps du motel sous lesquels on la devine nue et la robe moulante, rose « shocking » devenue légendaire (« Quand on porte une robe pareille, on a sans doute commencé à y penser dès l'âge de quatorze ans », commente sa rivale). Ce film fait de Marylin une vedette. De sex-symbol, elle devient actrice à part entière, son seul nom suffisant désormais à assurer les recettes d'un film.

 

Cette même année, c'est Howard Hawks qui fait d'elle, et à jamais, une star à part entière, avec le triomphe de la comédie musicale Les hommes préfèrent les blondes (Gentlemen Prefer Blondes, 1953) qui la propulse au rang de vedette internationale, et lui donne ses galons de sex symbol. Devinant le manque d'assurance de la femme et de la comédienne, Hawks lui offre une partenaire féminine brune, grande et sûre d'elle-même (Jane Russell) qui, dans le film comme pendant le tournage, la rassure et la couve, et contrairement aux pronostics, les deux femmes s'entendent si bien que cette comédie sophistiquée fait un malheur au box-office. Elles dansent et chantent à la perfection, seules ou en duo, avec une grâce telle que cette comédie s'impose aussitôt comme une référence et révèle également l'étendue du talent de Marilyn : derrière la créature de rêve se cache une femme spirituelle qui chante et danse à ravir. De « blonde idiote » qu'elle était dans l'imagination un peu cruelle de l'écrivain Anita Loos, le personnage de Lorelei Lee devient, dans l'interprétation aérienne et comme somnambulique de Marilyn Monroe une fausse idiote qui prend les hommes au piège de leur propre bêtise. Il n'émane d'elle ni méchanceté ni agressivité. Les femmes perçoivent sa vulnérabilité et ne la considèrent pas comme une rivale. Après avoir terminé le tournage, elle a l'occasion de laisser ses empruntes à l'entrée du Grauman's Chinese Theatre, au côté de Jane Russell. Comment épouser un millionnaire (How to marry a millionnaire, 1953) de Jean Negulesco confirme son irrésistible attrait : même affublée de lunettes, l'actrice vole la vedette à ses deux partenaires Lauren Bacall et Betty Grable. En quelques mois, cette comédienne, qui semblait être promise à une carrière sans éclat, est devenue la plus grande star que la 20th Century Fox possède sous contrat et une forte attraction au box-office comme ressort comique. Elle utilise cette image, pour s'affirmer à la fois comme femme et comme actrice, et, pendant moins de dix ans, elle va dominer les écrans, tout en proposant un type féminin détendu (faussement détendu en ce qui la concerne), du fait de sa vulnérabilité et son innocence apparentes, son talent réel dans la fantaisie ou l'émotion, qui présage d'autres libérations, et qui répond en tout cas à la mentalité de la « génération Kennedy ».

 

Mais la Fox est toujours aussi peu coopérative, même si sa popularité grandit encore à l'annonce de son mariage avec Joe DiMaggio, qui a divorcé pour elle, le 14 janvier 1954. Lors de leur voyage de noces au Japon, une triomphale tournée en Corée afin de soutenir le moral des G.I. en faction achève de lui gagner tous les cœurs, et fait d'elle à l'époque la pin up préférée des américains. Sa promotion devient alors rapide. On la lance à la fois comme la " pin-up intellectuelle « aux reparties osées » : « Que portez-vous pour dormir, Miss Monroe ? - Une goutte de Chanel n° 5 » et comme l'avatar moderne d'un « mythe » cinématographique cher aux Américains : celui de la séductrice, du « sex-symbol », mais bon enfant, à la sensualité candidement affirmée et spontanée mais rassurante, archétype de la vamp enfant. Ce stéréotype n'empêchera pas, avec très peu d'années de retard, le succès européen de « M. M. » vers 1955.

 

Mais son union avec DiMaggio marque aussi le début d'une période sombre. La Marylin publique, fabriquée et alimentée par Hollywood, ne correspond guère à la vie privée de la jeune femme et à cette image enjouée qu'elle donne d'elle-même jusque dans les instants émouvants de ses films. Elle est dépendante de médicaments pour conserver sa ligne mais également des somnifères. Et commence à se montrer boudeuse vis-à-vis des propositions de la Fox. Il faut dire qu'elle ne satisfait pas de cette personnalité doublement factice qu'on lui a fabriquée, de l'amour superficiel du public et de cette gloire qu'elle pressent éphémère et de son image de sex-symbol qui déplait fortement à Joe qui ne supporte pas sa femme de ce fait soit un objet de fantasmes pour tous les hommes et a aussi la mauvaise habitude de lever la main sur elle. Elle veut donc qu'on l'aime pour son intelligence, pour son âme, pour son talent d'actrice et évoque au New York Times son désir de jouer des rôles dramatiques.

Dès lors, les choses ne peuvent que dégénérer, et agacée par les revendications de la star, la major l'envoie tourner un western au fin fond du Canada : La Rivière sans retour (River of no Return, 1954), sous la direction d'Otto Preminger, avec Robert Mitchum. Dans ce très beau film, la beauté charmeuse de Marilyn, qui interprète quatre chansons, dont « River of no Return », rivalise avec la splendeur des paysages des Rocheuses. Ce que personne ne sait alors c'est qu'elle commence ses premières absences sur les plateaux de tournage pour maladie (elle s'est blessée lors de celui-ci) car sa sensibilité à fleur de peau s'accorde mal avec la roublardise du réalisateur autrichien. Portée par ce nouveau succès, Marilyn enchaîne, non sans hésitations, avec la comédie musicale, La joyeuse Parade, de Walter Lang, en interprétant trois chansons, dont « Heat Wave », un morceau d'anthologie, mais qui est un échec, qui semble confirmer les a priori de Marylin Monroe.  A 28 ans, on écrit déjà sa première biographie qui ne sera, pourtant, publié après sa mort sous le titre de Confession inachevée, s'arrête à 1954.

 

En 1960, elle est à l'affiche d'une nouvelle comédie, le charmant Le Milliardaire (Let's Make Love, George Cukor, 1960), d'une gaieté délirante, dont le tournage est marqué par la liaison de Marilyn et de son partenaire Yves Montand (mais contrairement à Joe Dimaggio et Arthur Miller, il refuse de quitter sa femme, Simone Signoret, tout juste auréolée d'un Oscar pour son rôle dans Les Chemins de la haute ville) qui sera utilisée comme campagne publicitaire pour le film qui sera un échec retentissant.  Arthur Miller écrit alors pour elle le scénario des Désaxés (The Misfits, 1961).

Le film se pose comme le cadeau d'un mari trop amoureux à sa femme trop fragile. Tout est taillé sur mesure, du rôle qu'il lui offre au choix des acteurs, le tout supervisé par John Huston, son réalisateur préféré, qui lui donna sa chance onze ans plus tôt, avec à ses côtés, Clark Gable, l'idole de son enfance, Montgomery Clift et Eli Wallach. La situation empire sur le tournage cauchemardesque du film. Ce scénario écrit pour elle ressemble à un cadeau de rupture : elle y est Roselyn, venue à Reno pour y divorcer. Ses partenaires sont au diapason de ce climat funèbre : Montgomery Clift s'autodétruit et Clark Gable, épuisé, mourra peu de temps après la fin du tournage. La chaleur qui règne à Réno fait monter la tension dans  le couple Monroe-Miller qui se brise,  Marilyn, qui se reconnaît trop dans ce scénario dramatique, est malade et fait une nouvelle fausse-couche. Elle reprend le tournage du film dans des conditions exténuantes. La fin du tournage signifiera également la fin de son mariage avec Miller. Il en sort pourtant un chef-d'œuvre parfait. Marilyn Monroe, de plus en plus dépendante de ses gourous et de ses conseillers, y est touchante, fragile, s'offrant au spectateur avec l'impudeur de l'innocence. Le film n'est donc guère une réussite pour elle, et si, de nos jours, les Misfits est un film culte, en 1961, il est perçu comme un bide parce que c'est un film trop inattendu, trop dramatique au yeux du public.

 

C'est à cette période que Marilyn Monroe, qui à de plus en plus de mal à faire face à la vie,  commence à consulter tous les jours un psychiatre de Los Angeles, le Docteur Ralph Greenson, qu'elle a rencontré sur le tournage du Milliardaire, et malgré l'aide de celui qui devient son nouvel homme de confiance, Marilyn Monroe développe une forte addiction à l'alcool et aux médicaments. Il faut dire que suite à la mort de Clarck Gable, le 16 novembre 1960, elle en est jugée responsable par les médias, et le 20 janvier 1961, elle et Arthur Miller divorcent officiellement. Après une tentative de suicide avortée en février 1961, Marilyn est plus faible que jamais, et est volontairement internée durant trois semaines dans le département psychiatrique du Payne Whitney Hospital. Une expérience qu'elle décrira dans son autobiographie comme « un cauchemar » et qui réveille ses vieux démons et la peur qui l'a toujours hantée de finir comme sa mère. Son nouveau psychiatre, le Docteur Greenson, exerce de plus un plus une emprise sur sa vie privée et professionnelle, mais elle parait de nouveau en bonne santé (il faut dire que c'est une femme qui aime l'attention), malgré sa sixième opération d'ordre gynécologique (sur plusieurs années) le 29 juin qui la rendra définitivement stérile (ce qui était dur pour une femme qui désirait mettre au monde), et part se réfugier à Los Angeles et se rapproche de DiMaggio et de Marlon Brando (avec qui on lui prête à nouveau une liaison) et des membres de son fameux Rat pack. Mieux, elle a  l'honneur de recevoir le Golden Globe de la meilleure actrice internationale à Los Angeles, de la part de la Presse Etrangère le 5 mars 1962, même si le fait qu'elle soit complètement ivre lorsqu'elle le reçoit, invite à se poser des questions (cette scène ne sera pas diffusée).

 

Elle doit encore un film, par contrat, à la 20th Century-Fox. La mort dans l'âme, elle accepte un scénario de comédie anodin, Something's Got to Give (Quelque chose va craquer), qui lui promet de renouer avec son image de blonde resplendissante, et elle doit y retrouver George Cukor, le grand directeur d'actrices, qui l'aime et l'estime, et avec qui elle se sent en sécurité. Le nouveau tournage sur lequel elle travaille à partir d'avril 1962 est au-dessus de ses forces et tourne vite au cauchemar. Elle apparaît radieuse sur le plateau, jouant avec des enfants qui auraient pu être les siens, mais elle est constamment en retard et elle oublie son texte. Mais de ces quelques jours de tournage, il reste certains plans magnifiques montrant une Marilyn mince et jeune, nue (pour la première fois dans un film), dans une piscine bleu turquoise. Le 19 mai, elle déserte le plateau, conviée à l'anniversaire du Président Kennedy au Madison Square Garden, où elle interprète la mémorable chanson Happy Birthday, Mister President. Sa prestation terriblement glamour alimente les rumeurs persistantes d'une liaison entre la comédienne et le Président, peut-être fondée, comme au sujet de son frère Robert, qui à l'époque où il la rencontre début 1962, retrouve une certaine joie de vivre. Ne serait-ce pas l'origine de ces rumeurs ? Mais cette fois-ci c'en est trop, la Fox arrête le tournage le 1er juin pour la remplacer par Lee Remick, mais, Dean Martin, autre star du film, refuse tout remplacement de Marilyn Monroe et réclame à cette dernière des dommages et intérêts ainsi qu'à Dean Martin. Marilyn organise une campagne médiatique pour tenter de restaurer son image auprès du grand public rupture de contrat et juridique pour sa réintégration et la revalorisation de son salaire. Elle donnent alors de nombreuses interviews, fait une série de photos le 23 juin pour le magasine Vogue, ses dernières et, comme une provocation, en montant avec le magazine Life une couverture avec des photos prise pendant le tournage de Something's Got to Give, qui annonce en une : « Un bain nue que vous ne verrez jamais à l'écran ». Ces images font le tour du monde. La Fox annonce finalement le 1er août la reprise de son contrat avec la star et annonce la reprise du tournage de Something's Got to Give en septembre. Un remariage avec son deuxième époux, Joe DiMaggio, est également évoqué pour le 8 août. Tout semble aller pour le mieux. Marilyn parvient à conserver cette image extérieure de femme forte, bien qu'elle ne soit pas au plus haut de sa forme, et est bien décidé à mener une nouvelle vie, loin d'Hollywood.

 

Pourtant, au petit matin du 5 août 1962, Marilyn est retrouvée morte, à l'âge de 36 ans, nue sur son lit, le téléphone à la main, dans sa nouvelle maison de Brentwood, victime d'une overdose de barbituriques. L'Amérique est sous le choc. En raison de ses diverse tentatives de suicide, le médecin légiste conclut à une overdose de barbituriques et à un « probable suicide », concluant rapidement ainsi que la jeune femme y est parvenue, mais il n'est pas clair, cependant, qu'elle ait eu vraiment pour but de se tuer. D'après Donald Spoto, l'auteur de Marilyn Monroe: The Biography (1993), elle aurait été victime d'une erreur médicale de son psychiatre, tout comme récemment Michael Jackson. Greeson aurait administré à l'actrice un lavement à l'hydrate de chloral - sensé l'aider à dormir - sans savoir qu'elle avait consommé au préalable du Nembutal. Le mélange des deux substances se serait avéré fatal. Mais les incohérences de l'enquête laisseront libre cours aux spéculations : ce qui paraissait être un suicide fut peut-être, selon certains, un complot politique suscité par la dernière liaison de Marilyn Monroe, avec le président des États-Unis, John F. Kennedy, et orchestré, selon les versions, par la mafia ou le F.B.I., voire la C.I.A. Un des défenseurs les plus connus de cette théorie est Donald Wolfe, scénariste à Hollywood,  qui publie en 1998 The Assassination Of Marilyn Monroe (paru en 2000 en version française sous le titre Marilyne Monroe : Enquête sur un assassinat). Joe Dimaggio, le 8 août, organise une cérémonie funéraire dans un esprit de simplicité le plus total et fera fleurir sa tombe durant 20 ans.

 

Née au lendemain du jeudi noir annonçant la Grande Dépression américaine, le 12 novembre 1929 à Philadelphie, Grace Patricia Kelly est la troisième d'une famille de quatre enfants. Issue d'une famille aisée où les activités sportives prédominent puisque son père, John B. Kelly, est un ancien athlète olympique d'aviron, trois fois champions olympiques en 1920 et 1924. Ayant fait fortune dans la construction, il put offrir à ses enfants une bonne éducation : son fils, John B. Kelly Jr. sera maire de Philadelphie en 1967, et Grace est éduquée au couvent des dames de l'Assomption de Philadelphie et débute au théâtre à dix ans. Il faut dire que son oncle, metteur en scène et scénariste de théâtre, George Kelly eut le prix Pullitzer en 1926 pour sa pièce , Craig's Wife. Après avoir obtenu son diplôme en 1947, elle se rend à New York dans l'espoir de devenir comédienne - son rêve d'enfant - malgré l'opposition de sa famille et intègre l'American Academy of Dramatic Art. Elle pose en tant que modèle pour Coca-Cola et Colgate afin de payer ses cours d'art dramatique et devint mannequin de mode. Après avoir refusé un contrat de Hollywood, de peur d'être catalogué comme une starlette, elle effectue ses débuts à Broadway en 1949 dans une reprise d'August Strindberg, Le Père, apparaît à la TV dans des publicités luxueuses, dans sa première série télévisée, Bethel Merriday, en 1950, et participe également à de nombreuses émissions de télévision avant d'accepter cette fois une nouvelle proposition d'Hollywood.

 

En 1950, elle obtient un petit rôle dans son premier long métrage, Quatorze Heures (Henry Hathaway, 1951), qui lui ouvre les portes d'une production autrement plus importante, le western de Fred Zinnemann, Le train sifflera trois fois, où elle donne la réplique au comédien Gary Cooper, incarnant une jeune mariée sans ambiguïté, remise paradoxalement sur le droit chemin par la « pécheresse » Kathy Jurado, type de femme auquel semblait aller pourtant la sympathie du réalisateur. Grace Kelly se tire fort bien de cet exercice somme toute ingrat et est révélé à la critique et au public. Curieusement, cependant, elle n'a pas bénéficié du succès du film, et aucune offre d'autres étaient immédiatement disponible. Elle a accepté un test à l'écran pour un rôle dans Taxi! , mais a été rejetée en faveur de Constance Smith.

Elle s'affirme finalement avec le film Mogambo (John Ford, 1953) – remake de La Belle de Saigon tourné dans les années 1930 –, dans lequel elle donne la réplique à Ava Gardner et Clark Gable, où se retrouve dans la même position inconfortable que le film précédent, représentant la dignité face à la première resplendissante qui assume sans fausse honte son personnage de « viveuse ». Le résultat en est un contrat de sept ans avec la Metro Goldwyn Mayer, et une nomination à l'Oscar du meilleur second rôle féminin. Mais elle paraît alors vouée aux films d'aventures où sa distinction déphasée semble offrir à la fois un piquant et une caution : l'Émeraude tragique (Green Fire, A. Marton, 1954), avec Stewart Granger ; les Ponts de Toko-Ri (M. Robson, 1955), où elle interprète le rôle de l'épouse de William Holden dans la lignée de comédiennes telles que Deborah Kerr ou Joan Fontaine. Cependant, c'est à la suite de ce tournage que Alfred Hitchcock la remarque et devient l'interprète principale de Le Crime était presque parfait, où sa passivité n'est que feinte et où elle s'affranchit, non sans perversion, de son rôle de victime, puis Fenêtre sur cour, tous deux en 1954,  plus conforme en apparence à son image de mannequin vedette : le ballet de la séduction dans lequel elle entraîne James Stewart, à son tour passif, est assez réjouissant et elle s'y révèle digne des grandes vedettes féminines de la comédie. Elle récompensée en 1955 par l'Oscar de la Meilleure actrice pour Une fille de la province (E. G. Seaton), un film plutôt oublié aujourd'hui, où elle a pour partenaire Bing Crosby, mais plus pour sa beauté et le prestige commercial des films de Hitchcock que pour son rôle dans ce pesant mélodrame, où elle incarne la femme d'un alcoolique, rôle plutôt inattendu pour Bing Crosby ! Pendant le tournage de ce film, elle entame une relation amoureuse avec ce dernier. Elle a également une liaison avec le comte Oleg Cassini, le couturier de Jackie Kennedy qu'elle veut épouser, mais celui-ci étant plus âgé qu'elle et plusieurs fois divorcé, les parents de Grace s'opposent à cette union.

 

Elle retrouve Alfred Hitchcock en 1955 dans La Main au collet, comédie policière dont le tournage s'effectue sur la Côte d'Azur, et réussit même à être émouvante, sa beauté étant mieux mise en valeur, confirmant son image d'« élégance sexuelle », comme l'avait lui-même définie Hitchcock. Les trois films d'Hitchcock, dont les deux derniers comptent parmi les réussites les plus brillantes de cet auteur, ont alors fixé son véritable emploi, à base d'érotisme glacé, dissimulé par le bon ton et relevé d'une subtile touche d'humour. Pour cela, il a retouché l'image de marque de la jeune comédienne pour créer une de ces « blondes glacées » qu'il affectionne, et dont la sensualité ne demande qu'à s'affirmer, préfigurant des types de femmes telles que Eva Marie Saint, Tippi Hedren, voire Catherine Deneuve. Mais Grace Kelly ne reçut de récompense pour aucun de ces trois films et n'eut pas beaucoup l'occasion, par la suite, de jouer sur le registre de l'humour à la Hitchcock. Invitée d'honneur au festival de Cannes 1955, où elle vient présenter La Main au collet, elle rencontre le Prince Rainier III de Monaco le 6 mai 1955. Par le biais du père Tucker, un Irlandais de Philadelphie, confesseur du prince, Rainier est invité dans la famille Kelly pour les fêtes de Noël de fin d'année. C'est durant ce séjour que Grace et Rainier s'éprennent l'un de l'autre et annoncent leurs fiançailles le 6 janvier 1956 au cours d'un bal de charité au Waldorf-Astoria.

Elle tourne la même année Le Cygne (Charles Vidor, 1956), contrainte par sa maison de production, la MGM), qui, en dépit d'une belle affiche (Alec Guinness, Louis Jourdan), ne rend pas hommage à ses dons pour la comédie, avant de participer à son dernier tournage, Haute Société (Charles Walters, 1956) – son dernier film –, honorable comédie musicale, aux côtés de Bing Crosby et Frank Sinatra - qui deviendra l'ami de la famille Grimaldi, et sera le parrain de Stéphanie de Monaco -, inférieur toutefois à Philadelphia Story, première version du même sujet, mais qui lui permet un retour exceptionnel à la comédie. Après cette comédie, elle accepte de à sa carrière cinématographique. La relation entre Grace et Rainier provoque de nombreuses rumeurs. La presse à sensation prétend que non seulement le prince aime les belles actrices (comme la Française Gisèle Pascal avant Grace), mais qu'il s'assure en plus de leur fertilité pour assurer un héritier à la principauté.

 

Le 18 avril 1956, à 27 ans, Grace Patricia Kelly épouse le Prince Rainier Grimaldi III dans la cathédrale de Monaco sous le regard de 30 millions de téléspectateurs à travers le monde. En tant que princesse consort de Monaco, elle devient Son Altesse sérénissime la princesse Grace de Monaco, plus familèrement appelée Princesse Grace ou Grace de Monaco. Ce « conte de fées » qui satisfait à la fois la jet society et les midinettes du monde entier (ignorantes des origines de Grace Kelly) a fait oublier les réelles qualités de l'actrice, que seul, à vrai dire, Hitchcock sut exploiter. Elle donnera naissance à Caroline le 23 janvier 1957, à Albert le 14 mars 1958, puis à Stéphanie le 1er février 1965, et se consacre dorénavant aux obligations de son rang ainsi qu'à la Principauté, œuvrant dans de nombreuses associations à vocations sociales, en créant en 1963 l'Association Mondiale des Amis de l'Enfance puis en 1964 la Fondation Princesse Grace de Monaco, œuvre internationale de bienfaisance. Elle est présidente de la Croix-Rouge monégasque jusqu'à sa mort. La princesse est, cependant, apparue en 1962 comme « hôtesse » dans un spectacle TV consacré à Monaco, et bien qu'il ait été annoncé qu'elle allait retourner à Hollywood pour jouer dans le film Marnie, rôle que Hitchcock lui destinait à l'origine, tous les bruits concernant son éventuel retour à l'écran furent ensuite démentis. Et elle ne tourna plus jamais ni n'agit en ce sens malgré le fait qu'Hollywood continue à lui proposer des rôles pour retourner dans différents films, ce que les Monégasques et le prince Rainier refusent. Nostalgique de son art, elle s'est tournée dans la lecture de poésies, le collage de fleurs séchées et joue parfaitement son rôle de mère de famille et de première dame. Son dévouement est récompensé par la médaille de Cérès en 1977 décernée par les Nations Unies. Elle décède après avoir subi un accident vasculaire cérébral des suites d'un accident de voiture le 14 septembre 1982, sur la route de la Turbie, qui avait servi de décor au film La Main au collet. La princesse Stéphanie qui l'accompagnait, eut seulement des blessures légères. Le 18 septembre, la princesse Grace est enterrée dans la cathédrale Saint-Nicolas à Monte Carlo (Monaco) dans la chapelle des princes souverains.

 

Elle est entrée dans l'histoire du cinéma comme l'une de ses plus grandes actrices, ayant marqué la production des années 1950 en incarnant modèle de beauté parfaite avec le blond cendré de ses cheveux et les traits fins de son visage, type de blonde vertueuse – à l'opposé du personnage narcissique de Marilyn Monroe à ses débuts – qu'elle a su dépasser avec une habileté plus « diabolique » qu'il n'y paraît. En 1999, l'American Film Institute la classe treizième plus grande actrice de tous les temps.

J'écris cet article afin de te souhaiter un très chaleureux bienvenue parmi nous, Almaric ! Je suis ravi de t'accueillir parmi nous, toi qui viens d'un pays chaleureux réchauffer de ta présence tes deux parents, Mickaél et Erdogan. Bien sur, je ne suis pas venue les mains vides mais avec un cadeau de bienvenue qui te plairas ainsi qu'à tes parents.

 

C'est une illustration que l'on trouve sur le site japonais Pixiv inspiré par le manga satyrique, Axis Power Hetalia, qui se passe pendant la Seconde Guerre Mondiale. Ici, elle va plus loin dans le temps, puisqu'il représente le père des États-Unis, le Royaume-Uni, qui existe depuis l'Acte d'Union de 1701, avec son fils, les États-Unis, devenu indépendant en 1783.

 

 

J'aime beaucoup cette illustration, vu que les États-Unis se précipitent vers son père aimant, le Royaume-Uni qui lui a offert un nouveau cadeau, un lapin en peluche. Celui-ci est prêt à l'accueillir sur ses genoux puis entre ses bras. Une illustration magnifique pleine d'affection paternelle et filiale qui montre les relations cordiale entre les deux pays jusqu'à la fin de la Guerre de Sept Ans (1763, traité de Paris). Mais les États comme les enfants grandissent et cherchent à se libérer de la tutelle de leur Maison Mère une fois devenus adultes comme ce fut le cas pour les États-Unis.

 

Ce qui va me permettre d'aborder de façon originale de l'histoire des États-Unis, à travers la relation parent-enfant si particulière entre ces derniers et la Grande-Bretagne. Avant leur indépendance, ce n'était que les 13 colonies américaines, de peuplement britannique (anglais, écossais, irlandais), fuyant parfois les persécutions religieuses, qui se développèrent dans le Nord de l'Amérique avec le Canada entre le début du XVIIe siècle (Virginie, 1607 ; débarquement du Mayflower, 1620, et fondation de Plymouth, 1621, achat de New York aux Néerlandais, 1664, Pennsylvanie, 1681) et le XVIIIe siècle, en concurrence avec la France au Canada et au Mississipi (Louisiane, qui sera vendue en 1803), et la résistance des Amérindiens (guerre de Pontiac, 1763). L'illustration montre ainsi l'heureux temps où le Royaume-Uni essayait de développer les colonies américaines, celui que l'on pourrait qualifier de l'enfance et marquer peut-être par une jalousie avec l'autre enfant chéri du royaume, le Canada. Du moins jusqu'à la Guerre de Sept Ans (1756-1763), dont le coût greva le budget britannique et fut une des conséquences avec la mise en place de monopole commerciaux de la guerre d'Indépendance Américaine (1775-1783), qui marque le temps de l'adolescence où l'enfant américain cherche son autonomie face à son père et son autre frère, le Canada. L'indépendance ne fut obtenue qu'avec l'aide de la France suite à la bataille de Yorktown (1781) et au Traité de Versailles (1783).

Une deuxième guerre contre son père, la guerre anglo-américaine (1812-1815), qui permit à ce dernier de préserver le Canada, continua à affirmer ce jeune adulte en devenir et ne fit qu'accroître la rancune envers son frère qu'il tenta d'annexer, donc une adolescence des plus difficiles pour ce dernier. C'est pourquoi, il pratiqua à partir de 1823 avec la doctrine Monroe une politique isolationniste et d'interventionnisme dans les États de l'Amérique latine qui, comme les États-Unis se rebellèrent contre leur père, l'Espagne. Et aussi pris une ligne totalement opposé à celle de son père en maintenant l'esclavage dans le Sud, le coton devenant le principal produit d'exportation américain à partir du XIXe siècle et permettant le développement industriel du Nord avec le textile en Nouvelle-Angleterre. Alors que le Royaume-Uni abolissait la traite puis l'esclavage en 1787 et 1814 (congrès de Vienne), suivi par la France en 1848. L'adolescence est bien l'âge bête même s'il fut partagé sur la question avec la naissance d'un mouvement anti-esclavagiste au Nord. L'extension vers l'Ouest, abandonné par son paternel (abandon britannique de l'Oregon en 1848 encore pour conforter la frontière de son frère, de quoi amener encore plus de frustration), et de l'esclavage vers le Sud-Ouest, provoquèrent un conflit avec le Mexique (Fort Alamo, 1836 ; guerre américano-méxicaine, 1846-1848) et la Guerre de Sécession (1860-1865) entre le Nord industriel et anti-esclavagiste et le Sud agricole et esclavagiste, et provoqua des frictions avec le Royaume-Uni et la France, ayant besoin du coton du Sud pour leurs entreprises textiles, qui se prolongèrent avec la Guerre du Mexique (1862-1867). 

Les relations entre ses deux Pères (n'oublions pas que la France est à l'origine de la Louisiane) s'améliorèrent par la suite car leur fils qui atteint l'âge adulte à la suite de la guerre civile qui s'acheva en 1865, devenant rapidement une nouvelle puissance mondiale avec l'achèvement de la Conquête de l'Ouest en 1890, marqué par les affrontements avec les Amérindiens et notamment la défaite du général Custer contre les Sioux et les Cheyennes à Little Big Horn (1876) et l'immigration venue de l'Europe (Irlandais après la Grande-Famine de 1845-1849, Allemands, Scandinaves, Italiens) et de l'Asie (Chinois, Japonais, Indiens). D'ailleurs, les États-Unis semblent peu rancuniers envers son père, qui lui a préféré son cadet, le Canada, devenu adulte plus tard, avec la création d'une Confédération en 1867 et aussi d'autres alliés comme son cousin éloigné, le Japon de l'ère Meiji à partir de 1868. Puisqu'il est intervenu pour le soutenir au cours des deux conflits mondiaux (1914-1918 et 1939-1945) et que sans lui, il n'aurait jamais remporté ces derniers, n'arrivant pas à percer le front belgo-français en 1917-1918, et, étant seul contre l'Allemagne Nazie en 1940, suite à la défaite de la France.

En rivalité avec l'URSS pendant la Guerre Froide (1947-1991), les États-Unis, maintenant un adulte accompli, devint la première puissance économique et politique mondiale (elle impose son modèle économique et démocratique après guerre) avant de devenir après la fin de l'URSS (1991) le « gendarme du monde ». D'ailleurs, papa, qui est devenu l'un de ses principaux partenaires économiques, lui rendra la pareil en le soutenant lors du siège de Berlin (1948-1949), de la Guerre de Corée (1950-1953), la Guerre du Vietnam (1955-1975), les guerres du Golfe (1990-1991 ; 2003-2011) et celle d'Afghanistan (2001-2014). Tout en faisant preuve encore d'infidélité paternelle en préférant les oncles des États-Unis, en 1973, en entrant dans la Communauté Economique Européenne devenu l'Union Européenne en 1992 (traité de Maastricht). Mais, celui-ci pourra compter après le Brexit (2016), sur son enfant, même s'il est devenu moins raisonnable récemment (Donald Trump élu président  en 2017). La crise de la quarantaine ?

 

Je suis sur que cette superbe illustration te plaira et je tiens encore à te souhaiter un très chaleureux bienvenue parmi nous, Almaric !

Ce Dimanche et ce Lundi nous avons fêté encore une fête de Pâques un peu particulière du fait d'un nouveau confinement qui ne dit pas son nom. Pour une fois nous pouvions assisté à la messe – bien que j'ai jugé plus prudent de la regarder à le télévision vu la foule qu'il y avait le Dimanche des Rameaux, et, pour la seconde fois, la bénédiction papale Urbi et Orbi (« à la ville de Rome et au monde ») n'a pas eu lieu à la place Saint-Pierre de Rome. Mais, une fois de plus, l'esprit joyeux de la fête est resté, marqué par les célèbres chasses aux œufs, amenés par le lapin de Pâques ou les cloches, mais cette fois-ci limité aux jardins et aux maisons, bien que ce Lundi de Pâques, nous n'ayons pas eu droit à la traditionnelle omelette de Pâques de Bessières, dans le Sud-Ouest de la France du fait du confinement.

 

 

Bien sur, le lapin de Pâques et les cloches ne vous ont pas oublié. Et ils ont placé dans votre jardin ou votre maison des œufs de Pâques qui contiennent des affiches promotionnelles de peplum biblique ou chrétien de la grande période du Peplum en Technicolor, Cinemascope et VistaVision, c'est-à-dire de 1949 à 1967. Ceux furent surtout produits par trois grands studios hollywoodiens, la 20th Century Fox, la Metro Goldwy Mayer et la Paramount, qui cherchait à concurrencer la télévision en offrant du grand spectacle en couleurs et sur écran géant, mais aussi du catéchisme pratique par l'image et une mise en valeur des vertus l'Amérique, Guerre Froide oblige. Exercice auquel excellera Cecil B. De Mille, qui a relancé le peplum avec Samson et Dalila (1949) et offert son chef-d'œuvre avec Les Dix Commandements (1956). J'espère qu'il vous donnerons envie de les découvrir pendant toute la période qui ira jusqu'à la Pentecôte.

 

D'abord, pour toutes et tous mes amie(s) virtuel(le)s, c'est une séquence du premier film en Cinémascope, La Tunique, réalisé par Henry Koster et produit par la 20th Century Fox, sorti en salles en 1953, avec dans les rôles titres Richard Burton (Marcellus Gallio), Jean Simmons (Diana), Victor Mature (Marcellus Gallio), Michael Rennie (Pierre), Donald C. Klune (Jésus de Nazareth), Betta St. John (Miriam), Richard Boone (Pilate), Ernest Thesiger (Tibère) et Jay Robinson (Caligula). Dans celle-ci, Diana, la pupille de Tibère et promise à Caligula, décide d'aider l'homme qu'elle aime, l'ancien tribun devenu chrétien, Marcellus Gallio, avec l'aide de l'apôtre Pierre, à sauver son ancien esclave et ami, Démétrius, de la mort en prison.

 

 

Ensuite, pour toutes celles et tous ceux qui ont animés mon blog par leur kifes et leurs commentaires, le Lapin de Pâques a également apporté des cadeaux plus particuliers. Le premier vous est aussi destiné.

 

Pour mon cher frère, Taigong788, c'est une des séquences de ton film préféré sur Jésus et le mien également, Le Roi des Rois, réalisé par Nicholas Ray et produit par la Metro Goldwyn Mayer, qui est sorti dans les salles en 1961, avec dans les rôles titres, Jeffrey Hunter (Jésus), Robert Ryan (Jean le Baptiste), Siobhan McKenna (Marie), Rip Torn (Judas), Ron Randell (Lucius), Hurd Hatfield (Ponce Pilate), Viveca Lidfors (Claudia), Frank Thring (Hérode Antipas), Rita Gam (Hérodiade), Birgid Balsen (Salomé), Guy Rolfe (Caïphe), Grégoire Aslan (Hérode), Harry Guardino (Barrabas) et Carmen Sevilla (Marie Madeleine). Probablement la meilleure mise en scène du Sermon sur la montagne au cinéma où Jésus, interprété par un excellent Jeffrey Hunter, est un rabbin tout en mouvement pour répondre aux questions de la foule. Á l'image des évangiles, où il est toujours en mouvement.

 

 

Pour mes chers, Lucinda-et-Lestat, c'est une séquence du film, David et Bethsabée, réalisé par Henry King et produit par la 20th Century Fox, sorti en 1951, avec dans les rôles titres, Grégory Peck (David), Susan Hayward (Bethsabée), Raymond Massey (Nathan), Kieron Moore (Urie le Hittite), Jayne Meadows (Mikal), James Robertson Justice (Abishai) et John Sutton (Ira). La population exige la lapidation de Bethsabée, vu que son union avec David a apporté le malheur sur le royaume d'Israël, mais, le roi la cache dans son palais, malgré les imprécations de Nathan. Mais, Dieu leur pardonnera finalement.

 

 

Pour ma chère, Athéna59, c'est une des séquences du film, Le Fils Prodigue, réalisé par Richard Thorpe et produit par la Metro Goldwyn Mayer, sorti en 1955, avec dans les rôles titres Lana Turner (Samarra), Edmond Purdom (Micah), Louis Calhern (Nareeb), Taina Elg (Elissa) et Neville Brand (Rakhine). Le film met très en valeur, la superbe actrice, Lana Turner, dont la carrière fut relancé, en une prêtresse d'Astarté, déesse de l'amour, de la ville de Damas, symbole de la femme fatale dont l'actrice s'était fait une spécialité. 

 

 

Pour mes chers, Loups-06, ce ne sera pas un grand peplum, mais une des pages du très beau livre illustré pour enfants, P'tit Loup fête Pâques, scénarisé par Oriane Lallemand et illustré par Éléonore Thuillier.

 

 

Tel que vous pouvez le voir, Oriane Lallemand a écrit une sympathique petite histoire et facile à lire et très didactique pour apprendre aux enfants de 3 à 5 ans à chasser les œufs de Pâques dans leur jardin. En effet, aujourd hui, P'tit Loup part à la chasse aux œufs de Pâques ! Et un lapin en chocolat parci, une cocotte par-là... Hop, dans le petit panier de P'tit Loup ! Et tout cela avec le très beau graphisme d'Hélène Thuillier qui rend l'histoire fluide et entraînante.

 

 

Pour mes chers, anges-noirs666, c'est une des séquences du film, Les Dix Commandements, réalisé par Cecil Blount DeMille et produit par la Paramount, sorti en  1956, avec dans les rôles titres, Charlton Heston (Moïse), Yul Brynner (Ramsès II), Anne Baxter (Néfertari), Edward G. Robinson (Dathan), Yvonne de Carlo (Séphora), Debra Paget (Lilia), John Derek (Josué), Cédric Hardwicke (Séthi Ier), Nina Foch (Bithia), Vincent Price (Baka) John Carradine (Aaron) et Olive Deering (Myriam). C'est la séquence la plus célèbre du film, un vrai moment d'anthologie du à la grande inventivité de Cecil B. De Mille, la division de la Mer Rouge en deux par Moïse pour permettre aux Hébreux poursuivi par l'armée de Ramsès de passer à pied sec.

 

 

Pour mes chers, les-babies-anges-noirs, c'est une des séquences du film animé, Le Prince d'Égypte, réalisé par Brenda Chapman, Steve Hickner, Simon Wells, et produit par Dreamworks animations, sorti en 1993, avec pour doubleurs principaux, Val Kilmer (Moïse/Dieu), Ralph Fiennes (Ramsès II), Michelle Pfeiffer (Tsipora), Sandra Bullock (Myriam), Jeff Goldblum (Aaaron), Danny Glover (Jethro), Patrick Stewart (Séthi Ier) et Helen Mirren (la reine Mouttouya). Moïse y remet les Tables de la Loi, où figurent les Dix commandements, au peuple Hébreu, signant ainsi l'alliance entre Dieu et le peuple qu'il a choisi et libéré de l'oppression en Égypte.

 

 

Pour les autres œufs de Pâques, ils se trouvent ici :

 

- ceux de les-amis-des-nours, Jema-Lou, Naruto-Jaime, Saeba-Ryo33, Journal-of-Manga6666, Fender075, Jippy55 et Tristan-des-Mers, fanademangas014 ;

 

 

- ceux de Satine1976, de Perfume-Jasmin, de Carl, de Thomas et Maéva, Angelina, Flora, Jessica ;

 

 

- ceux de Marie et Martial et de Germain et Mathis.

 

 

Pour ma chère, Satine1976, c'est une des séquences de la suite de La Tunique d'Henry Koster, Les Gladiateurs, réalisé par Delmer Daves et toujours produit par le 20th Century Fox, sorti dans les salles en 1954, avec dans les rôles titres Victor Mature (Demetrius), Susan Hayward (Messaline), Michael Rennie (Pierre), Debra Paget (Lucia), Anne Bancroft (Paula), Jay Robinson (Caligula) et Barry Jones (Claude). Après avoir rencontré de nouveau Pierre, Démétrius, devenu gladiateur, retrouve la foi en retrouvant la Tunique de Jésus, que Messaline, l'épouse de Claude (devenue un temps sa maîtresse), lorsqu'elle guéri de son traumatisme, Lucia, la femme qu'il aime.

 

 

Pour ma chère, Perfume-Jasmin, c'est une photo promotionnelle en noir et blanc pour le film La Tête du tyran, réalisé par Fernando Cerchio et produit par Vic Film (Milan)/Explorer Film (Rome)/Faro Film (Messine)/CFPC (Paris), sorti en 1959, avec dans les rôles titres, Massimo Girotti (Holopherne), Isabelle Corey (Judith), Renato Baldini (Arbar), Yvette Masson (Rispa), Gianni Rizzo (l'archonte assyrien Ozia), Camillo Pilotto (Belial), Riccardo Valle (Isaac), Leonardo Botta (Gabriel), Franco Balducci, Daniela Rocca (Naomi), Enzo Doria. Elle met en valeur la vedette du film, Isabelle Corey, qui joue le rôle de Judith, qui vit un amour impossible avec le général assyrien, Holopherne, qu'elle doit tuer si elle veut sauver la ville de Béthulie. Suite à son acte, elle décidera de s'isoler. Une réécriture du Livre de Judith dans un sens dramatique, alors que le récit biblique, tout sauf réaliste, est le symbole de la victoire du faible, une femme qui représente le peuple juif, contre le fort, symbole des royaumes païens.

Pour mon cher, Carl, c'est une affiche de la Chasse à l'Œuf à Toul, qui a eu lieu à Toul le Samedi 24 mars 2018. Celle-ci a été organisé par l'Association Mosaïque et a eu lieu dans les jardins de l'hôtel de ville de 10 h à 16 h.

 

 

L'association a fait une approche très différente pour cette 6e édition, tel que l'indique son titre La Chasse à l'œuf fait son cirque, et la présence d'un œuf de Pâques avec un nez de clown sur l'affiche. En effet, puisque l'association a pu compter sur la participation des artistes de l'école du cirque qui ont organisés des ateliers et des petits spectacles pour le public et les enfants (jonglerie, balles, diabolos et trampolines).

 

Pour mes chers, Thomas et Maéva, c'est une photographie promotionnelle pour le film Salomon et la Reine de Saba, réalisé par King Vidor et produit par Theme Pictures, sorti en 1959, avec dans les rôles titres Yul Brynner (Salomon), Gina Lollobrigida (la reine de Saba), George Sanders (Adonijah), Marisa Pavan (Abisag), John Crawford (Joab), Finlay Currie (David), Alejandro Rey (Sittar) et Harry Andrews (Baltor). Elle met en avant le couple vedette du film, Yul Brynner, qui interprète le rôle du roi Salomon, et Gina Lollobrigida, celui de la reine de Saba. Le film emprunte certains codes du film noir, étant très inspiré par le Samson et Dalila de Cecil B. DeMille (1949), avec une femme fatale qui vient perdre le héros. Mais tout s'arrangera à la fin. On est dans un film biblique tout de même.

 

 

Pour ma chère, Angelina, c'est une des séquences du film, Salomé, réalisé par William Dieterle et produit par Columbia Pictures, sorti en 1953, avec dans les rôles titres Rita Hayworth (Salomé), Stewart Granger (Claudius), Charles Laughton (Hérode), Judith Anderson (Hérodiade) et Alan Badel (Jean-Baptiste). C'est la fameuse Danse des sept voiles, mais qu'ici Salomé n'interprète pas pour faire mourir Jean le Baptiste, mais pour le sauver. Bien entendu, elle ne réussira pas sa mission, trompée par sa mère, Hérodiade.

 

 

Pour ma chère, Flora, c'est une photo promotionnelle tiré d'Esther et le Roi, réalisé par Raoul Walsh et Mario Bava et produit par la 20th Century Fox, sorti en 1960, avec dans les rôles titres Joan Collins (Esther), Richard Egan (Assuerus), Denis O'Dea (Mardochée) et Sergio Fantoni (Haman). Celle-ci met en valeur son actrice, Joan Collins, qui interprète Esther, la femme de l'empereur perse, Assuérus, qui sauva le peuple juif du vizir Haman. Cela s'explique parce que le livre d'Esther, dont elle est l'héroïne, est un livre, écrit par un juif persan, contre l'antijudaïsme, représenté par Haman.

 

Pour ma chère, Jessica, c'est une photo promotionnelle pour L'Histoire de Ruth, réalisé par Henry Koster et produit par la 20th Century Fox, sorti en 1960, avec dans les rôles titres Elena Eden (Ruth), Stuart Whitman (Boaz), Peggy Wood (Noémi /Naomi), Viveca Lindfors (la prêtresse Eleilat), Tom Tryon (Mahlon) et Jeff Morrow (Tob). Celle-ci met en valeur son actrice principale, l'israélienne Elana Eden, qui interprète Ruth la moabite, la grand-mère de Jessé, le père du roi David, qui a eu le droit un livre dans la Bible, où l'auteur, par cet intelligent récit, s'oppose à l'interdiction des mariages mixtes entre les Juifs et les autres peuples, qui pouvaient mieux les intégrer que de les séparer des autres communautés de la terre d'Israël après le retour d'Exil. Les faits lui donneront raison.